25 septembre 2020
Tout ce que vous devez savoir pour cadrer vos photos

Tout ce que vous devez savoir pour cadrer vos photos

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Les photos sont d’abord prises avec les yeux puis, à l’aide de l’appareil photo, immortalisées sur papier (ou dans un fichier numérique). La différence est que la vision n’a pas de limites établies (ou sont ignorées) tandis que les caméras le font et ces limites, appelées bords, seront le cadre de toutes vos photographies.

La façon dont vous utilisez cette limite lors du cadrage (composition) de vos photos peut changer radicalement les sentiments que vos photos transmettent, donc connaître les secrets du cadre devient presque une obligation.

Dans l’article, je vous dirai non seulement quel est le cadrage et les différents types de ceux-ci, mais vous apprendrez également dans quelles situations il est pratique d’utiliser l’un ou l’autre afin d’améliorer les messages et les sentiments qu’ils véhiculent. Tu ne peux pas rater ça!

Qu’est-ce que le cadrage?

Le cadre, en photographie, fait allusion à la portion de la scène qu’en tant que photographe, vous utiliserez pour vos photographies. Autrement dit, quelle proportion de la scène allez-vous capturer sur une photo. Imaginez le cadre comme la scène où vos photos ont lieu.

Le cadrage est un élément fondamental dans la construction de photographies car les bords de la photo, qui sont presque toujours rectangulaires, ont une grande influence sur son contenu et sur les messages et les sentiments qu’ils transmettent.

La façon dont vous utilisez les bordures du cadre pour répartir les éléments (composer) à l’intérieur, donnera ou non de la force à vos photographies. Sortir le jus du cadre dépendra de deux choses: la première, votre connaissance de la composition et la seconde, l’expérience que vous obtiendrez photo par photo.


Prenez votre temps pour cadrer
Prenez votre temps pour cadrer

Fondamentalement, il existe trois façons de cadrer:

  • Vous planifiez le cadre à l’avance, donc une fois que vous avez décidé de tous les éléments à inclure dans votre photographie, ajustez les paramètres de l’appareil photo pour la prise de vue.
  • Vous composez la photo pendant que vous cadrez, c’est-à-dire que vous décidez quels éléments vous allez inclure ou non dans vos photos juste avant d’appuyer sur le déclencheur.
  • Vous prenez la photo, puis la recadrez sur l’ordinateur.

Distinguer les différentes façons de fabriquer un cadre ne signifie pas rabaisser une méthode plutôt qu’une autre. Très probablement, selon chaque situation, vous utiliserez une méthode ou une autre, selon les possibilités que vous offre le type de photographie que vous faites.

En photographie de nature, par exemple, il est plus important de pouvoir prendre la photo de cette espèce d’oiseau rare que de se soucier du cadrage avant la prise de vue ou du recadrage après. En fait, dans la photographie animalière, la grande majorité des cadres sont réalisés plus tard sur l’ordinateur.

Dynamique de cadrage

Lorsque vous parcourez une scène à travers le viseur, vous pourrez remarquer comment d’innombrables photographies possibles commencent à y apparaître, ce qui sera plus ou moins attrayant selon la façon dont vous les cadrez.

Selon les éléments que vous souhaitez inclure dans votre photographie et la façon dont ils sont liés aux bords du cadre, ceux-ci auront une influence plus ou moins grande sur l’image finale.

Rappelez-vous que, comme je l’ai mentionné dans l’article « 16 façons de mettre en valeur vos sujets », le regard de l’observateur cherche toujours à être guidé pour parcourir une photographie: le cadre et les lignes, explicites ou non, marqueront le chemin à suivre les yeux tout en renforçant les messages et en aidant à mieux transmettre les sensations.

Faites attention aux exemples suivants:

La façon dont les éléments ont été disposés dans le cadre n’est pas accidentelle: les bords horizontaux et les lignes verticales ont fortement contribué à la conception finale des photographies, générant un plus grand impact sur les spectateurs.

Pour ce faire, les photographes Mikel Ortega et A. González-Alba ont utilisé à la fois les bords latéraux et les lignes diagonales et les angles que ceux-ci forment entre eux, afin de générer des tensions très attractives aux yeux des observateurs.

Regardez la photo suivante:


Ce cadre ne génère pas autant de tension que le précédent
Ce cadre ne génère pas autant de tension que le précédent

Comme vous le verrez, c’est la même situation que dans l’exemple du pêcheur à bonnet rouge, mais cette fois, le cadre utilisé est différent. Dans ce cas, les lignes parallèles du sol et de l’anche par rapport au bord du cadre ne créent pas autant de tension attractive que dans l’exemple donné ci-dessus. Si vous y prêtez attention, non seulement je change la façon de profiter des angles mais aussi, l’auteur, a opté pour un format de cadrage différent: le carré.

Format de trame

Comme vous l’avez déjà vu, les bords du cadre et la proportion de ceux-ci ont une grande influence, non seulement sur la forme que la photographie finale acquiert, mais également sur les sensations qu’elle génère pour le spectateur.

Le format d’image remplit la fonction de séparation de l’image de tout ce qui l’entoure, c’est-à-dire qu’il l’encadre, afin que vous puissiez contrôler sa composition. Selon ce que vous souhaitez transmettre, un format de trame peut vous aider à le faire plus qu’un autre. Mais quel est le format d’image?

Les photographies, bien qu’elles puissent être travaillées pour acquérir un sens de la profondeur, n’ont que deux dimensions: la hauteur et la largeur. Lorsque nous parlons de proportion ou de format du cadre, nous faisons simplement référence à la relation (mathématique) qui existe entre la hauteur et la largeur du cadre.

  • Format standard 3: 2 (largeur x hauteur): Ce format est le plus utilisé par les capteurs photographiques, 35 mm ou non (35 mm se réfère à la largeur du capteur ou du film). Ce format est très populaire car il représente très bien le sentiment d’horizontalité de la vision humaine.
  • Formats intermédiaires 4: 3 : Ces types de formats ont gagné en importance ces dernières années avec la popularité croissante des appareils photo numériques et le sentiment « plus naturel » que leurs images offrent. Malgré cela, en termes de composition, comme il n’y a pas une telle direction dominante (la différence entre la largeur et la hauteur du cadre est moins marquée), ils ne sont pas aussi confortables pour organiser les éléments sur la scène . Malgré cela, ils sont plus flexibles en ce qui concerne le tournage.
  • Format carré: le rapport dans ce type de cadre est de 1: 1, c’est-à-dire que la largeur et la hauteur sont égales. Très peu d’appareils photo permettent de prendre des photos en natif dans ce format, mais vous pouvez le simuler en recadrant la photo sur l’ordinateur, c’est-à-dire en la recadrant plus tard. C’est un format inhabituel car il y a peu de scènes qui se prêtent à ce format. Comment extraire le jus? Profiter de la sensation de symétrie et d’équilibre parfait qu’ils transmettent, puis la rompre lorsqu’il s’agit d’agencer les éléments, ou de profiter de cet équilibre et de l’améliorer.
  • Panorama: Ces types d’images, comme vous pouvez l’imaginer, sont celles dans lesquelles la largeur du cadre est bien supérieure à sa hauteur. Ce type de format vous permet de créer un cadre horizontal, qui correspond à la ligne d’horizon, ce qui est idéal pour les photographies de paysage. Dans la plupart de ces scènes, la longueur de la scène est essentielle, bien plus que la profondeur qu’elles peuvent transmettre.

Orientation

Certes, grâce à votre oeil photographique et votre instinct d’esthétique, sans vous en rendre compte, vous aurez réalisé que, dans certaines situations, il est plus esthétique de prendre une photo avec une orientation verticale et dans d’autres situations, en utilisant une orientation horizontale.

L’orientation du cadre n’est que cela, l’orientation verticale ou horizontale que vous donnerez au cadre (votre appareil photo et son capteur) lors de la prise de vos photos. Ensuite, nous nous arrêterons pour voir chacun d’eux:

Cadre horizontal: Selon la façon dont vous avez l’intention d’organiser les éléments présents dans une certaine scène, une orientation horizontale peut être plus efficace qu’une orientation verticale: si ce que vous voulez est de transmettre un sentiment de stabilité ou si les éléments à représenter sont disposés horizontalement, l’idéal est d’utiliser cette orientation car il est très confortable lors de la composition.

Si vous regardez attentivement, les moniteurs, les téléviseurs et une multitude de supports visuels autour de vous sont orientés horizontalement. Cette orientation est la plus courante, probablement parce que le capteur de l’appareil photo est orienté de la même manière, ce qui en fait la position la plus naturelle lors de la prise de photo.


Cadrage horizontal
Cadrage horizontal

Cadre vertical: ce type de cadrage, contrairement au précédent qui fournit des images plus stables, donne plus de force aux photographies dont les éléments respectent également ladite orientation, comme un portrait (les gens sont plus grands que larges).

Si vous faites attention, la grande majorité des magazines, des publicités et tout ce qui touche à la mode, ce type d’orientation est le plus utilisé.


Orientation verticale
Orientation verticale

La décision d’adopter l’une ou l’autre orientation dépendra du message que vous souhaitez transmettre avec vos photos. Quand utiliser l’un ou l’autre dépendra essentiellement de votre expérience en tant que photographe, donc plus vous prendrez de photos et plus vous passerez de temps à analyser les résultats, meilleures seront les décisions que vous prendrez. En guise d’exercice, je vous recommande de pratiquer les différentes orientations dans la même scène, puis de voir comment l’une ou l’autre fonctionne aux yeux du spectateur. Cela oui, avant de vous recommander de lire l’article suivant: « 9 trucs et astuces pour améliorer votre composition photographique ».

Faites attention à la photo suivante: Quelle sensation cela vous fait-il?


N'est-ce pas un peu inconfortable pour vous?
N’est-ce pas un peu inconfortable pour vous?

La clé lors de la sélection d’un cadre est: l’équilibre. La réalisation de photographies équilibrées est ce qui vous motivera à choisir l’un ou l’autre cadre, toujours, en fonction de la situation que vous essayez de photographier et des éléments que vous souhaitez utiliser dans vos photos. Bien sûr, gardez toujours à l’esprit que l’équilibre dépend de vous: osez-vous le casser?

Re frames

Comme son nom l’indique, le recadrage est une «technique» qui se réfère, une fois qu’une photo a été prise, à travailler dessus sur ordinateur ou en studio pour réaliser le cadrage souhaité. Autrement dit, la photo est prise en premier, puis le meilleur cadre est recherché.

Bien que vous puissiez créer plusieurs cadres dans la même scène, le recadrage fait référence au recadrage une fois la photo prise. Ci-dessous, vous verrez comment une seule prise de vue, réalisée par le photographe Julio Codesal, peut, après recadrage, acquérir plus ou moins de force en fonction de ce que vous souhaitez communiquer:


paysage avec des cadres

La photographie originale d’une petite cabane a été encadrée de manière à ce que la couleur du ciel puisse être appréciée et en même temps la petite maison et le sol ont été utilisés, comme élément d’ancrage qui donne subsistance et stabilité à l’image. Pour cela, un horizon relativement bas a été utilisé, afin de mettre en valeur les couleurs du ciel. La scène donne un sentiment de solitude et de paix très bien transmis en elle.


exemple paysage cadre vertical

Re frame (1): si, dans le cadre d’origine, vous recadrez la photo en utilisant une orientation verticale, le poids tonal du ciel et de ses nuages ​​est encore plus élevé, donc une bonne option sérieuse, en gardant le ciel comme élément clé, en gardant l’horizon plus bas même que dans le photographie originale. Lors du recadrage, essayez de conserver l’essence de la photographie en évaluant les éléments les plus intéressants de ceux-ci et en les localisant à nouveau.


exemple de paysage de cadrage horizontal

Re frame (2): Si vous voulez donner encore plus d’importance au ciel, un cadre de ce type peut très bien fonctionner. L’horizon est situé encore plus bas, de manière à stabiliser l’image en utilisant le sol presque comme le bord de l’image. C’est ce qu’on appelle «l’horizon de base». Pour contrebalancer le poids de la localisation de la cabine si bas à gauche, il a presque forcé d’utiliser une grande partie du ciel à sa droite. Là encore, des efforts ont été faits pour respecter les principaux éléments de la scène originale.


exemple de cadrage de paysage

Re frame (3): à cette occasion, le cadre a été fermé et conserve en grande partie les proportions d’origine. De cette façon, le sol et la cabine gagnent en importance dans la scène. L’horizon a été situé le plus haut possible, dans les limites de la scène, afin d’ignorer une grande partie du ciel et de concentrer l’attention sur la cabine.

Apprenez à améliorer vos cadres

1-Remplissez le cadre

Même si vous ne le remarquez pas, lorsque vous prenez une photo d’un sujet ou d’un objet que vous vous demandez, dois-je inclure une partie de l’environnement ou non? Cette question est essentielle car le choix que vous ferez influencera grandement le résultat final. Plus la partie du cadre occupée par votre sujet est importante, plus il aura d’importance et vous pourrez également le capturer dans toute sa splendeur (dans les moindres détails). Maintenant, peut-être que l’environnement fait que la photographie et la relation du motif avec lui renforcent le message qu’il transmet, comme une photographie d’un passant et la ville en arrière-plan comme cadre.

Selon les sensations que vous souhaitez réaliser à transmettre au spectateur, vous devez choisir l’une ou l’autre option: si l’environnement est important, vous devez travailler dans le cadre (utiliser les angles, les lignes, etc.) afin de valoriser le message ou si vous le souhaitez Le sujet domine toute la scène, approchez-vous de lui, mais gardez à l’esprit que la forme de celui-ci influencera le cadre que vous allez utiliser. La décision vous appartient, osez la prendre!

Prendre la bonne décision ne sera pas un problème après avoir lu les articles suivants: « 16 façons de donner à vos sujets le rôle principal » et après avoir analysé les photographies de « Weekly Challenge 53: Fill the Frame ».


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Remplissez le cadre

2-Travailler l’emplacement des éléments:

La décision de placer vos sujets à l’un ou l’autre endroit du cadre est fondamentale. Que vous en remplissiez ou non le cadre, la place que vous lui attribuez doit être agréable pour le spectateur, c’est-à-dire que la position du cadre doit être en harmonie avec le reste de la scène.

En photographie, organiser les éléments présents dans une certaine scène dans le cadre est appelé «composer la photo». Les compositions artistiques, que ce soit en peinture ou en photographie, sont basées sur des règles mathématiques, des proportions et des méthodes qui « plaisent » à l’œil. Ces règles vous aideront à guider le regard du spectateur vers les points du cadre qui, par instinct visuel, sont les plus intéressants et que si vous savez les exploiter, vous passerez de la simple prise de photo à la capture d’une excellente photo.

Si vous voulez devenir un maître dans ce domaine, assurez-vous de lire « 9 trucs et astuces pour améliorer votre composition photographique ». Mais comme ils disent là-bas « Les règles sont là pour être brisées », donc une fois que vous les maîtrisez, n’ayez pas peur, les transgresser est aussi un art.


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Plus votre sujet est petit, plus son emplacement sera important

3-Divisez le cadre:

Lorsque vous organisez les éléments dans le cadre, vous avez des possibilités infinies, autant que vous pouvez imaginer, bien que tous ne soient pas aussi intéressants et attrayants pour le spectateur.

Les divisions les plus intéressantes dans le cadre sont celles qui permettent d’établir une relation bien définie entre elles. Ces divisions du cadre se réfèrent à la proportion que chaque élément occupe dans le cadre et à la façon dont ils doivent être situés pour obtenir le plus grand impact visuel mais sans rompre l’harmonie de la photographie.

Ne vous inquiétez pas, vous ne devez pas vous faire un carré et une boussole pour prendre vos photos, il vous suffit de former votre regard pour qu’il se familiarise avec les différentes proportions que vous pouvez utiliser lors de la prise de vos photos. Certaines des proportions les plus connues sont:

• Nombre d’or: Cette proportion est un guide qui vous permettra de disposer les éléments dans le cadre de manière très harmonieuse et agréable à l’oeil. Ce type de proportion, étant présent en permanence dans la nature, vous permettra d’obtenir des photographies très naturelles qui génèrent du « confort » pour vos spectateurs. Si vous ne le saviez pas, ne vous inquiétez pas, consentez ou non, vous composez constamment vos photos en utilisant ces proportions car c’est très intuitif et naturel.


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nombre d’or

• Règle des tiers: Cette règle est l’une des règles les plus élémentaires lorsqu’il s’agit de disposer les éléments dans vos cadres. Il consiste à diviser le cadre en trois tiers égaux horizontalement et verticalement. De cette façon, 4 points imaginaires se formeront aux intersections des lignes, qui sont les points forts d’intérêt au sein d’une photographie. Comme vous pouvez le voir, le centre, bien qu’il soit l’endroit évident où l’on placerait un élément dans le cadre, n’est pas l’un des points de vue les plus intéressants pour la vue dans le cadre.


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Règle des tiers

4- Repérez l’horizon dans le cadre:

La position de la ligne d’horizon dans le cadre est plus importante que vous ne pouvez l’imaginer. Selon la hauteur que vous attribuez, une photographie peut transmettre une sensation ou une autre en fonction des autres éléments présents dans la scène. Une ligne d’horizon très haute (une plus petite partie du ciel) donnera plus d’importance et de poids à tout ce qui se trouve en dessous, et inversement, une ligne d’horizon située dans une position plus basse donnera un plus grand sentiment de stabilité , fonctionnant comme une « base » et équilibrant le cadre.

Dans tous les cas, la position exacte de l’horizon dépend de nombreux autres facteurs tels que: l’équilibre de la photo en fonction de la luminosité et des couleurs du ciel (voir exemple du point de recadrage), l’attractivité du ciel au dessus du sol, la dynamique scène totale grâce aux nuages ​​et à leurs formes, au contraste, aux éléments de premier plan, etc. Tout dépendra des circonstances de la photographie, du message que vous souhaitez transmettre et surtout de votre goût personnel.


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L’horizon élevé attire l’attention sur les rochers

5- Cadre dans un cadre:

Il y a une règle dans la photographie qui garantit presque le succès: « les cadres dans les cadres », c’est-à-dire, non seulement profiter des bords de la photographie, mais aussi à son tour, cadrer à nouveau une autre scène. En dessinant une nouvelle bordure autour de l’image principale, vous créerez un cadre interne très attrayant pour l’œil qui donnera au spectateur le sens de l’organisation, de la stabilité, de l’ordre et du contrôle. Cette nouvelle limite empêche l’image «d’atteindre» les bords de la limite extérieure (photographie). Ce nouveau cadre concentrera davantage le regard du spectateur sur ce qu’il contient.


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Cadres dans les cadres

Qu’attendez-vous pour sortir et retirer le jus de vos cadres? Si l’article vous a plu, n’hésitez pas à le commenter et à le partager! Je vous remercie!


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